Versatilidad pura, sin medias tintas. Un cuarteto de actores en escena que viene de la danza y de otras expresiones artísticas. Los espectadores entran a la sala y se quedan confundidos. Antón, Carmen, Madalena y Ciruelo ya están sentados alrededor de una mesa cuadrada, esperando. Y puede suceder cualquier cosa. Un lenguaje corporal en constante construcción. Una manera distinta, integral, de hacer teatro, donde la energía creadora se libera en un espacio teatral. Todo esto y mucho más es “Libido”, la original propuesta del grupo“Gesta”, que se va a presentar desde el próximo 11 de julio, a las 21, en “El Social”, Alsina 2764, durante todos los viernes de julio y agosto.

“Estamos tratando de construir un lenguaje que se llama ‘teatro físico’ que para nosotros tiene que ver con el manejo del cuerpo y de contar a través de secuencias”,  explica Juan Pablo Delonc, uno de los actores, a Cronista.com. Leni Mendez, directora de la obra, lo escucha con atención y asiente con un leve movimiento de cabeza.
“Claro, los actores interactúan todo el tiempo, el espectador busca información en cualquier situación que muestre la obra. Uno elige donde pone el foco. La puesta en escena no es tan conducida. Son historias en paralelo todo el tiempo”, agrega Mendez.

- ¿De qué trata la obra?

-D: El tema de Libido es sobre las parejas. Se muestra el amor, el desamor, el odio. Una gran gama de diferentes sensaciones y estados que existen en una relación amorosa. Somos cuatro en escena, dos chicas y dos chicos. La obra tiene danza, percusión, cuerpo, acrobacia, humor, cinismo. Los textos surgen del trabajo colectivo y de la investigación que hace cada actor.

-Por qué se llama Libido?

-D: Por la energía de creación. Vemos el espacio teatral como un lugar de expresión de deseo. Primero surge con la definición de Freud de libido y se continúa con la de Jung que está más abocada a lo que es la energía creativa.

- ¿Cómo está estructurada?

-D: En escenas. El público entra y nosotros estamos en escena. No dejamos nunca de estar expuestos a la mirada del otro. Esas escenas van variando. A veces por la música, por el tipo de narración o por algo físico. Hay un quiebre entre escena y escena. Hay como un clic bastante amplio y notorio. El público ingresa al teatro pero se quedan en otro espacio diferente tomando algo que les ofrecemos como bienvenida. En ese momento, nosotros ya estamos en escena sentados a la mesa. Es una mesa de dimensiones grandes, de 1,80 metros por 2,30 metros. Todo el tiempo estamos trabajando sobre eso. A medida que ingresa el público al espacio escénico, nosotros empezamos a construir nuestro personaje. De a poco cada personaje empieza a mostrar algunos rasgos que lo identifican.

-¿Hay mucha improvisación?

-M: En la obra en sí, no. Hay tres momentos de improvisación que son de construcción por parte del actor. Como es teatro físico trabajamos mucho con partituras. Son secuencias de movimiento preestablecidas. Esto nos permite dos cosas. Una es que no se lastimen porque trabajan arriba de una mesa, en este caso. Y segundo a los actores les da una base de seguridad interna para poder construir la actuación. Ya sabemos por donde vamos a ir y a partir de eso empieza a jugar con el personaje, que tiene ciertas características y que puede variar según como está ese día el actor, según el encuentro con el otro, según el público.

-En el teatro convencional, el público recibe a los actores y en este caso es al revés. Al estar siempre en escena, ¿Cómo se concentran ante la mirada del otro?

-D: En mi caso, ya no pienso como yo sino como Antón, que es mi personaje. Empiezo a buscar mis anclajes, los modismos del personaje. Estamos sobre la mesa comiendo y ya empiezo a relacionarme con los otros, mediante la mirada, los movimientos. Todo es gradual. El espectador tiene que poder intuir que está pasando. Como al principio las relaciones que mantienen los personajes no son claras, debemos administrar la información y mostrarla de a poco. Son cuatro personas. Antón, Carmen, Magda y Ciruelo que están comiendo, cada uno muestra diferentes excentricidades.

-¿La obra está anclada a un contexto, a un país, a una situación histórica?

-D: No, es atemporal. Buscamos que fuera algo atemporal para que el anclaje sea inmenso. Como es algo muy intimista que muestra relaciones interpersonales con gente muy allegada, como son las parejas, no buscamos ningún anclaje histórico, digamos, puede ser el presente, el futuro o el pasado. No cambia. Eso no incide en la obra.

-Ante la puesta en escena, ¿Cómo reacciona el público?

-M: Hay partes que se ríen, se pueden asustar. Desde algún lado se conectan, es inevitable. La ubicación es una provocación. El público pasa por la escena siempre. Entre la salida y el público están los actores. Esta obra habla del vértigo, de la proximidad, habla de lo reducido. Y el público de alguna manera sin ser partícipe activo, sin que los actores se metan directamente con el público, está en la misma posición. Están ubicados de una manera muy cercana. Y eso provoca mucho, algo te tiene que pasar.

Ficha técnica: obra Libido.

Dirección: Leni Mendez.

Actores: Juan Pablo Delonc, Nina Lenze, Nicolás Goldschmidt y Vanessa Azar.

Música: Tomás Rodríguez.

Vestuario: Maximiliano Delonc.

Operación de Luces: Valeria Martínez.

Fotografía: Carolina Pavon.

Entrenamiento en percusión: Germán Menconi

Entrenamiento vocal: Anahí Mariluán.

Lugar: El Social. Alsina 2764 ( a dos cuadras de Plaza Miserere)

Estreno: Viernes 11 de Julio, 21 hs.  El grupo se presenta todos los viernes hasta el mes de agosto.

Duración: 50 minutos.

Precio entradas $ 15.

Más información: www.gestateatro.blogspot.com